更新时间：作者：小小条
文 | 徐艺天
近日，拜读吴洪彬《音乐教育：培养热爱而非打造选手》一文，十分赞同其“培养热爱”的核心初衷。但对文中将音乐竞赛与音乐教育对立的看法，笔者难以认同。
文中提及，教育部公示的2025-2028学年全国性竞赛活动中，艺术体育类项目里音乐类项目为零。这一结果让一部分中小学音乐教师“长舒一口气”，另一部分则若有所失。对此现象，我们是否应该冷静思考：将音乐归于纯粹的“快乐”或将音乐竞赛视为“焦虑”的根源，是否都是一种认知误区？笔者认为，音乐竞赛并非音乐教育的对立面，而是连接课堂与舞台、培育热爱与成就的不可或缺的桥梁。
音乐创作：
在竞赛中突破自我
音乐创作固然需要表达自我情感，但完全忽视受众与评价标准的创作，往往难以被公众看见。音乐竞赛设立的创作规范并非束缚，而是引导创作者在特定框架内展现自我。2013年，歌手华晨宇参加音乐竞赛节目《快乐男声》时，以一首无名无字歌出现在评委及大众眼前。其他评委都无法欣赏他的演唱和这首作品，只有尚雯婕站出来说：“你是天才。”若非这样的竞赛机会让他遇见伯乐，或许就没有如今的华晨宇。我们固然可以尽情展现对音乐的理解与表达，但并非人人都能幸运地遇到知音。
历史上，众多伟大作品恰恰诞生于比赛或特定要求之下。莫扎特的《费加罗的婚礼》曾为适配剧院演出条件与审查要求进行调整；柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》的初稿曾遭到权威钢琴家“毫无价值且无法弹奏”的严厉批评，却在修改后成为经典。这些作品足以证明，音乐的创造力能在规范中迸发，甚至能在限制中产生更具价值的艺术表达。
音乐竞赛为创作者提供了展示平台，促使我们思考如何让自己的“心里话”更有效地传递给听众。这并非迎合评委“想听什么”，而是一种沟通的艺术，是让个人表达与大众理解形成共鸣的必要过程。
音乐表演：
技巧承载情感而非对立
当前的音乐表演，确实面临着技巧与情感如何平衡的双重考量。当歌手唱功技巧突出时，演唱常被评论“只有技巧，没有感情”；当演唱稍有失误或听起来平淡、缺乏技巧发挥时，又会被评价“全是感情，没有技巧”。在音乐表演中，技巧是基础，情感是升华。若没有扎实的技巧支撑，再丰富的情感也难以准确传递。竞赛中对技巧的评价，本质是为了确保表演者具备完整的音乐表达能力。
许多当红流行歌手最初凭借一场音乐比赛中直击人心的作品走进大众视野，但倘若他们不再精进音乐技巧、无法以技巧为支撑更好地演绎作品，终将被市场淡忘。国际上诸多知名钢琴比赛，不仅发掘了大批音乐大师，更推动了演奏技巧的持续精进。可见，技巧与情感并非对立关系，而是相辅相成、缺一不可。
音乐竞赛的评价标准，为表演者提供了更明确的学*方向，也避免其陷入“自我感觉良好”的认知误区。只有掌握足够的音乐技巧，表演者才能真正自由地表达音乐内涵；反之，音乐表演便如朽木般经不起雕琢。
音乐教育：
有目标才能激发潜能
新版义务教育音乐学科（人教版）教材执行主编、音乐学家周海宏曾在一次采访中谈到“零基础循环”现象：“小学音乐零基础起步，初中音乐零基础起步，高中音乐零基础起步，大学生的音乐素养还是零。”为何会出现这种情况？是音乐课课时不足，还是学生缺乏真正接触音乐的机会？课堂中的音乐教育固然重要，但音乐竞赛在音乐教育中同样不可或缺。
音乐学*需要目标与动力，而音乐竞赛恰好提供了这样的目标——适度的竞争意识能有效激发孩子的学*热情。笔者身边有许多学音乐的同学，参加声乐或钢琴比赛的他们，在备赛过程中通过勤奋练*，往往能在某个节点突破以往未能解决的难题。其中一位同学的分享让我印象深刻：“通过这次比赛，我理解了什么是真正的音乐表达，还学会了如何在压力中保持专注，这比获得一张荣誉证书更让我自信。”正是在备赛的过程中，学生更易发现自身潜能，同时增强自信与毅力。我们既是在培养孩子对音乐的热爱，也能从中打造出实力强劲的选手。
合理的音乐竞赛机制，能帮助学校与音乐培训机构检验教学成果、发现教育中的不足，进而调整教学方向。它如同音乐教育中的一面镜子，照出教学的优势与问题，促使我们不断完善音乐教育体系。对“唯比赛论”的追捧，以及学校在音乐教育中过度施压、片面追求比赛结果的行为，固然应被摒弃，但这不应成为否定音乐竞赛核心价值的借口。合理平衡二者的关系，才能让音乐竞赛真正成为音乐教育的有力助推器。
竞赛如磨刀石，磨练学生们的技巧与意志；如灯塔，为学生们指引学*的方向；如舞台，让学生们的才华尽情展现。当我们以正确的心态看待音乐竞赛，它带来的远不只是名次与证书，更不会是压力的来源，而是在较量中超越自我的成长契机。音乐的魅力，或许不止于那些让人潸然泪下的瞬间，更在于如何真正理解音乐、热爱音乐——这份探索音乐的过程，恰恰是最容易被忽视、也最珍贵的经历。
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